В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца "Непонятное искусство", цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж "Современное искусство в деталях", документальных фильмов BBC, и др.

ПРИМИТИВИЗМ, ФОВИЗМ

В предыдущем посте я рассказывала о кубизме Пикассо и Брака. Одним из источников вдохновения Пикассо стала выставка африканского искусства. Простота и в то же время, первобытная мощь и величественность деревянных масок поразила художника. И не только его.

Собственно, стремление к этой простоте проходит красной нитью через всю историю современного искусства. С одной стороны, художники пытались копировать стиль работы примитивных племен Африки, Австралии и Южной Америки, а с другой - детские рисунки.

Вообще, радостное ожидание перемен, связанное с бурным развитием промышленности во Франции, довольно быстро сменилось усталостью от темпов, которые приобрела жизнь.

Уже в конце 19 века широко распространилось движение "возврата к истокам".

В живописи, как я уже писала ранее, это был Гоген, с его "таитянской" тематикой, плоскостным изображением и насыщенной символикой.

Поль Гоген, Старые времена, 1892

Движение, ратовавшее за упрощение искусства, принимало различные формы. Например, работы знаменитого австрийского живописца и основного участника общества Венский сецессион, Гюстава Климта (1862-1918), гораздо более изысканны и декоративны, чем у того же Гогена. Климт любил орнамент, бронзовые и золотые цвета, богато украшенные одежды. При той же простоте линии и двухмерности изображения, примитивизм Климта роскошен.

Густав Климт, Ожидания, 1909

Густав Климт, Яблоня, 1912

Густав Климт, Девушка с веером, 1918

Однако, те, кого считают основоположниками примитивизма 20 века, жили во Франции. Морис де Вламинк (1876-1958), Анри Матисс ( ) и Анри Дерен (1880-1954) тоже восхищались африканским искусством.Помимо этого, они разделяли и страсть к насыщенным цветам, как в произведениях Ван Гога. С голландцем их также связывало убеждение, что эмоции в картине важнее изображаемого объекта.

Результатом совмещения простоты племенного искусства и насыщенных, чистых цветов, они создали невероятно яркие и жизнерадостные работы. В них цвет - как способ передать эмоцию, а не описать реальный объект.

Морис де Вламинк, Фруктовый сад, 1905

Морис де Вламинк, Мост в Шату, 1907

Андре Дёрен, Эстак, 1905

Андре Дёрен, Мост Чаринг-Кросс, 1906

Анри Матисс, Красный лук, 1906

Анри Матисс, Гармония в красном, 1908

" Я переводил на язык цвета то, что видел инстинктивно без всякого метода, чтобы сказать правду не как художник, а как человек. Выжимая до конца, ломая тюбики аквамарина и киновари" - так Морис де Вламинк описывает свои работы того периода. Действительно, именно цвет станет вскоре визитной карточкой этой троицы художников. Они решили выставиться на Салоне 1905 года. Как водится, критика лютовала. Луи Воссель ( влиятельный критик того времени) язвительно заметил, что картины писали "дикие звери" ( les fauves фр.)

И хотя ни Матисс, ни Вламинк, ни Дёрен, не собирались связывать себя рамками какого-то направления, словечко им приглянулось.

Фовизм был в прямом и переносном смысле яркой вспышкой на небосклоне искусства. По сути, эта идея использовать большие пятна неразбавленного цвета в обрамлении простой формы получила свое логическое продолжение в работах многих художников 20 века.

Фриденсрайх Хундертвассер, Путь к тебе, 1966

Рой Лихтенштейн, Натюрморт с хрустальной вазой, 1973

Вилем де Кунинг, Без названия 5, 1983

Однако, в 1905 году публика еще не оправилась от неоимпрессинистов, а тут подоспел Матисс со своей знаменитой "Женщиной в шляпе".

Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905

Уж не знаю, была ли в тот момент рада мадам Матисс, что вышла замуж за художника, ибо портрет получился спорным. Желто-зеленое лицо, сведенное до нескольких простых мазков и оранжеватые штрихи волос не каждому придутся по вкусу. Однако, она пришлась по вкусу Лео Стайну - коллекционеру и покровителю современных художников. Он купил "Женщину в шляпе", а меньше чем через год приобрел "Радость жизни" - еще одно знаменитое полотно фовистского периода Матисса.

Анри Матисс, "Радость жизни", 1906

Вдохновленный пасторальными сценами, Матисс написал группы людей, предающихся различным наслаждениям: музыке, танцу, любви. И снова основной герой - цвет. Фигуры же людей написаны небрежно и двухмерно, хотя сама композиция выстроена аккуратно и гармонично.

Сам сюжет не настолько нов, как манера письма.

Агостино Караччи, Взаимная любовь, 1602

Контраст этих двух работ выявляет то, насколько изменилось восприятие художника. Создается впечатление, что Матисс балуется, заигрывает со зрителем. Его радость жизни не столько в сюжете, сколько в самой живописи: линии, цвете.

Матисс, по его собственному признанию, мечтал, чтобы искусство было вроде "хорошего кресла для отдыха". Даже когда фовизм остался в прошлом, художник продолжал работать по такому же принципу. Кстати, музой, подругой и спутницей для него стала девушка из Томска - Лидия Деликторская, которая оставалась с ним до конца его жизни, а потом подарила несколько полотен ( оставленных ей Матиссом на безбедную старость) Пушкинскому музею и Эрмитажу.

Немного уйду в сторону: недавно, прочитанная мною критика искусства начала 20 века, заставила взглянуть немного по-другому и на полотна Матисса. Кроме прорывов в технических областях, это время было одновременно застоем в социальных отношениях. Привычные формы жизни порядком затерлись. Образ сытого буржуа во фраке, являвшимся основным заказчиком, осточертел художнику.

Желание ломать стало основной движущей силой. Кубисты, конечно, наглядней всего воплотили этот принцип, в буквальном смысле раскрошивший привычный облик вещей.

Но и другие художники, как мембрана улавливающие происходящее, отражали свое недовольство в живописи. Они меняли все, что было привычным обывателю, разрушали мещанский мирок у себя на холсте. Вольно или невольно, художник выражал протест против изживающих себя условностей. Может и контрасты фовистов - это не утверждение радости бытия, а такой же вызов реальности?

Отсюда и зеленые лица женщин, небрежный/ условный рисунок. С этой очки зрения полотно Матисса "Радость жизни" - скорее ирония или сатира над гедонизмом европейских буржуа, все удовольствие от жизни которых сводится к плотской любви, песням и пляскам. Такой конфетный мирок с фигурами, напоминающими ярмарочные леденцы. Но эта точка зрения не особо популярна. Всё же чаще творчество Матисса трактуют как выражение радости и яркости бытия.

Искусство как отрада для глаз и сердца - принцип, который был близок не только Матиссу. И если ему приходилось делать усилие для того, чтобы рисовать по детски легко, то Анри Руссо (1844-1910) делал это, потому что просто не умел по-другому.

Анри Руссо, Автопортрет, 1890

Анри Руссо - сотрудник таможни, малограмотный человек, решивший заняться живописью в 40 лет без получения какого-либо образования и профподготовки. Домосед, не любитель богемных тусовок и далекий от арт сообщества, он стал одним из самых знаменитых художников стиля примитивизм. Руссо был простодушен и наивен, возможно, поэтому в его работах есть незамысловатость детских рисунков. Конечно, публика и критика сначала подняла художника на смех.

Анри Руссо, Карнавальная ночь, 1886

Обаяние простоты и детскости показалось тогдашнему зрителю банальным неумением рисовать, не более. Однако, отсутствие техники у Руссо с лихвой компенсируется четкостью, характерной, опять же для японской гравюры. Начинающего художника здорово выручала абсолютная невосприимчивость к критике, позволившая ему продолжать заниматься любимым делом.

Анри Руссо

Понятно, что его произведения нельзя сравнить по исполнению с мастерами прошлого или талантливыми современниками. Руссо брал другим. Его незамысловатые сюжеты завораживали многих из артистического мира того времени. Среди поклонников был, например, Пикассо, которому принадлежит знаменитая фраза: " Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобиться вся жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок". Руссо был тем, кто этого добился. Пикассо даже приобрел его картину "Портрет женщины", которая, по признанию испанца, просто заворожила его.

Анри Руссо, Портрет женщины, 1895

Работы Руссо, если так можно выразиться, одной ногой уже в сюрреализме. Они действительно завораживают не столько своей безыскусностью, сколько подтекстом, двусмысленностью, аллегоричностью. Это как те моменты в фильмах ужасов, когда качели на пустой детской площадке немного раскачиваются, вроде бы как от ветра.. Или нет? Руссо оставляет этот вопрос зрителю.

Манера Руссо восхищала не только Пабло Пикассо. Среди его поклонников был также румынский скульптор Константин Бранкузи ( Брынкуши).Правда, в отличие от Руссо, художественная тусовка Парижа приняла его на ура. Бранкузи выбрал себе амплуа простолюдина-художника: окладистая борода, сабо и льняная рубаха. Материалы, с которыми работал скульптор были подстать - дерево и камень. Мрамор не особо впечатлял мастера.

Бранкузи какое-то время был учеником в мастерской Родена, но их подходы к работе оказались совершенно различны.

Огюст Роден, Поцелуй, 1886

Константин Бранкузи, Поцелуй, 1912

Изображения красноречивее любых объяснений. Бранкузи считал, что в скульптуре можно обходится без предварительной моделировки, работая сразу с материалом. Он старался максимально сохранить первоначальную форму породы, оставляя ее текстуру. Никаких романтических изгибов, простые линии, отсутствие декоративных элементов.. Скульптуры Бранкузи нравятся именно своей простотой и оригинальностью исполнения. В начале 20 века это был очередной вызов традиции.

За ним последовали и другие скульпторы примитивисты: Модильяни ( да он пробовал себя и в скульптуре, причем вполне успешно), Джакометти, Хепворт..

Амадео Модильяни, Голова, 1910

Джакометти, Шагающий человек 1, 1960

Барбара Хепворт, Одиночная форма, 1964

В России - это скульптор Вадим Сидур. На мой взгляд, очень здорово.

Вадим Сидур

Вадим Сидур

В России, кстати, одними из первых примитивистов в живописи были Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, работавшие в технике "лубок". Это вид графики, отличающееся простотой и плоским рисунком. Гончарова вдохновлялась русскими иконами. В своих работах она использовала характерных элемент иконописи - движки - вертикальные белые линии.

Михаил Ларионов, Еврейская Венера, 1912

Наталья Гончарова, Косари, 1911

Как мы видим, простота, упорядоченность и структура стали основополагающими понятиями и целями художников, начиная с постимпрессионистов. Однако, эти, казалось бы, безобидные стремления имели в себе и разрушительный потенциал. Ведь всякое желание уместить мир в структуру имеет обратную сторону - создание жесткой системы. А как показала практика, попытки подчинить все живое субъективной жесткой логике ведет к гибели и разрушениям. Дальнейшие события 20 века - яркое тому подтверждение.

Продолжение следует)

И постскриптум.

Чудесная американка - Бабуля Мозес - художница-любительница, представитель примитивизма второй половины 20 века, просто покорила мое сердце. Она даже чем-то напомнила мне голландцев с их уютными бытовыми сценами сельской жизни. Вот, например: