Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то - затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые - удивляют непомерной ценой. AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. Мы намеренно не включили в эту подборку Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум. Понятно, что "странность" - это довольно субъективное понятие, и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Эдвард Мунк "Крик" 1893, картон, масло, темпера, пастель. 91х73,5 см Национальная галерея, Осло

"Крик" считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. "Я шёл по тропинке с двумя друзьями – солнце садилось – неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор – я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом – мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу", говорил Эдвард Мунк об истории создания картины. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии "Крика", и есть версия, что картина эта - плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном. Поль Гоген "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?" 1897-1898, холст, масло. 139,1х374,6 см Музей изящных искусств, Бостон

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что "Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее". Он прожил еще 5 лет, так и получилось. По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, "старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям", у ее ног "странная белая птица… представляет бесполезность слов". Пабло Пикассо "Герника" 1937, холст, масло. 349х776 см Музей королевы Софии, Мадрид

Огромное полотно-фреска "Герника", написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя. "Герника" представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. "Это сделали вы?" - "Нет, это сделали вы". Ян ван Эйк "Портрет четы Арнольфини" 1434, дерево, масло. 81.8х59.7 см Лондонская национальная галерея, Лондон

Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками - вплоть до подписи "Ян ван Эйк был здесь", что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным. Михаил Врубель "Демон сидящий" 1890, холст, масло. 114х211 см Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине: "Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый". Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы. Василий Верещагин "Апофеоз войны" 1871, холст, масло. 127х197 см Государственная Третьяковская галерея, Москва

Верещагин - один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: "Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого". Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина "Апофеоз войны", на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов. Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно "натюрмортом" - на нем изображена "мертвая природа". Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею "Апофеоза войны" выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах. Грант Вуд "Американская готика" 1930, масло. 74х62 см Чикагский институт искусств, Чикаго

"Американская готика"- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли "Готику" как "юмористическую валентинку", а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете. Рене Магритт "Влюбленные" 1928, холст, масло

Картина "Влюбленные" ("Любовники") существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом - "смотрят" на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею и слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные - загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них. Едва ли не все картины Магритта - это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем. Марк Шагал "Прогулка" 1917, холст, масло Государственная Третьяковская Галерея

Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. "Прогулка" - это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица - он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Иероним Босх "Сад земных наслаждений" 1500-1510, дерево, масло. 389х220 см Прадо, Испания

"Сад земных наслаждений" - самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным. Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. Густав Климт "Три возраста женщины" 1905, холст, масло. 180х180 см Национальная галерея современного искусства, Рим

"Три возраста женщины" одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая - выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни. Эгон Шиле "Семья" 1918, холст, масло. 152.5х162.5 см Галерея "Бельведер", Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. "Семья" - его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это - наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка. Фрида Кало "Две Фриды" 1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма "Фрида" с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин - "Две Фриды" - она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность. Клод Моне "Мост Ватерлоо. Эффект тумана" 1899, холст, масло Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения. Джексон Поллок "Номер 5, 1948" 1948, фибролит, масло. 240х120 см

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита - самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. "Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь". Жоан Миро "Мужчина и женщина перед кучей экскрементов" 1935, медь, масло, 23х32 см Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как "полные отвращения и гадливой сексуальности". Яцек Йерка "Эрозия"

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну - для иллюстрации его фантазии и мастерства. Билл Стоунхэм "Руки противятся ему"

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная - это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От "из-за этой картины умирают" до "дети на ней живые". Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина - "с привидениями". "Руки противятся ему" купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину. Adme.ru Обновлено 13/01/12 13:56: Плачущий мальчик Бруно Амадио

По истории, на сколько я помню, художник зажигал спички перед своим маленьким сыном, чтоб тот плакал. Малыш очень боялся пламени и после этого пожелал отцу умереть в огне. Очень скоро самого ребенка сбила машина, а студия его отца сгорела до тла. После этого многие пожарные рассказывали о том, что эта картина очень часто оказывалась на местах сгоревших домов Обновлено 13/01/12 15:26: Художник знал, что его сын панически боялся огня, но искусство было ему дороже, чем нервы собственного ребенка, и он продолжал над ним издеваться. Однажды доведенный до истерики малыш не выдержал и крикнул, обливаясь слезами: “Гори ты сам!” Это проклятие не замедлило сбыться — через две недели от пневмонии умер мальчик, а вскоре заживо сгорел в собственном доме и его отец… Это предыстория. Свою зловещую славу картина, точнее — ее репродукция, обрела в 1985 году, в Англии. Произошло это благодаря серии странных совпадений — в Северной Англии одно за другим начали происходить возгорания жилых домов. Были человеческие жертвы. Некоторые пострадавшие упоминали, что из всего имущества чудесным образом уцелела только дешевая репродукция с изображением плачущего ребенка. И таких сообщений становилось все больше, пока, наконец, один из пожарных инспекторов во всеуслышание не заявил, что во всех без исключения сгоревших домах был найден нетронутым “Плачущий мальчик”. Тут же газеты захлестнула волна писем, где сообщалось о различных несчастных случаях, смертях и пожарах, которые происходили после того, как хозяева покупали эту картину. Разумеется, “Плачущий мальчик” тут же стал считаться проклятым, всплыла история его создания, обросла слухами и выдумками… В итоге одна из газет опубликовала официальное заявление о том, что все, у кого есть эта репродукция, должны немедленно от нее избавиться, и властями впредь запрещено приобретать и держать ее дома. До сих пор “Плачущего мальчика” преследует дурная слава, особенно в Северной Англии. Кстати, оригинал до сих пор не найден. Правда, некоторые сомневающиеся (особенно у нас в России) намеренно вешали у себя на стену этот портрет, и, вроде бы, никто не сгорел. Но все же желающих проверить легенду на практике очень немного.