В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца "Непонятное искусство", цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж "Современное искусство в деталях", документальных фильмов BBC, и др.

ОРФИЗМ/КАНДИНСКИЙ/СИНИЙ ВСАДНИК

Примерно, начиная с импрессионистов, художники шли по пути отказа от визуальной схожести в попытке передать момент ( как импрессионисты) или цвет ( фовисты) или формы ( кубисты). В любом случае, дальнейший исход был понятен - искусство неуклонно двигалось к полной абстракции. Освобожденные фотографами от необходимости запечатлевать реальный мир, художники оказались с развязанными руками и устремились на поиски своих способов выражения действительности.

Рассекая плоскости, выворачиваю формы наизнанку и забавляясь с контурами, к 1910 году художники приходят к полной абстракции. Одним из первых, кто начал эксперименты в этой области был Франтишек Купка (1871-1957) - чешский художник, участник движения, названного Гийомом Аполлинером орфизмом.

Франтишек Купка, Первый шаг, 1910

Купка может и не задавался целью полную абстракцию. Но у него получилось очень к тому близко. Что это? По сути, не более чем разномастные круги на темном фоне. Но за этим можно увидеть, например, образ взаимосвязи планет в космосе ( так считает тот же Уилл Гомперц).

Робер Делоне, художник - кубист, а позже - основоположник орфизма - продолжил тему круга. Но прежде чем говорить о творчестве Делоне, хочу остановиться на самом термине орфизм.

Франц фон Штук, Орфей, 1891

Изначально, так называлась мистическое учение в Древней Греции еще в 6 веке до н.э. Интересно, что оно одно из первых было монотеистическим и пропагандировало культ Единого Бога. Основной смысл этого верования в том, что в человеке, по мнению орфистов, изначально заключено божественное начало - душа, которое оказалось в плену тела по причине первородного греха. И теперь обречено на цепь реинкарнаций до тех пор, пока этот первородный грех не будет искуплен. Путь орфиста - это путь определенного самовоспитания и воздержания, результатом которого и должно стать это очищение. Задача -победить в себе начала титанические, низменные, а возродить светлые и божественные. Я думаю многим эта концепция покажется смутно знакомой-) Орфей был древним поэтом, который якобы записал священные тексты, содержащие эту информацию, в форме песен.

Знал ли об этом Аполлинер, который окрестил так группу художников, работавших в определенной манере, непонятно. Скорее, он связывал этот термин с именем Орфея - певца, музыканта, а не культового персонажа. Таким образом, критик отдавал дань ярким произведением Делоне и его жены Сони ( в девичестве Терк - украинка), которые он уподоблял музыке. Термин "орфизм" был введен Аполлинером в 1912 году, в его публичной лекции о современном искусстве. Однако, это понятие всё же очень расплывчато, так как под него попадают совершенно разные по манере и темпераменту художники.

Например, сам Робер Делоне этот термин не оценил и предпочитал употреблять термин "чистая живопись" или симультанная ( одновременная). Эта живопись не основана ни на каких пространственно-временных конструкциях ( то есть он не думал как разделить предметы на плоскости или добиться близкого к реальности восприятия - не занимался никакими вопросами конструкций). Это прежде всего свет и цвет.

Робер Делоне, Синхронный диск, 1912

Здесь уже нет никаких космических аллюзий. Название картины дает отсылку на работы французского ученого Мишеля Эжена Шевреля - " Закон синхронности контраста цветов". В ней Шеврель исследует как цвета, соседствующие на цветовом круге, влияют друг на друга. Делоне, согласно законам физики, изложенным в трактате, раскладывает каждый предмет на цветовые пятна. Эти пятна должны вместе создавать гармоничную симфонию цвета. Слово симфония, как нельзя кстати, ведь своей высшей задачей орфизм и ставил уподобление изобразительного искусства музыке. Поэтому, собственно, Аполлинер и назвал это направление в честь древнегреческого музыканта.

То есть никто и не собирался выдавать цветные круги за шедевр мировой живописи. Скорее, это было переосмысление самого понятия живописи, попытка изображать только цветом безотносительно формы. Ведь музыка без слов - это и есть воплощение абстракции.

Робер Делоне

Соня Делоне

И здесь, конечно, орфисты не были первопроходцами. Еще в 19 веке композитор Рихард Вагнер мечтал о "синтезе искусств" ( Gesamkunstwerk), то есть соединение нескольких видов искусств в единое целое. По его мнению, искусства можно было разделить на 2 группы. В первую входили музыка, поэзия и танец - как то, что создается исключительно творческими усилиями самого человека. Ко второй, соответственно, относились, живопись, скульптура и архитектура, так как в этом случае индивид преобразовывал нечто уже существующее, придавая ему иной вид. В органичном взаимодействии этих двух групп Вагнер и видел возможность создания некой идеальной сущности.

Неслучайно, музыка Вагнера стала главным источником вдохновения для художника-любителя Василия Кандинского (1866-1944). Кандинский испытал творческое озарение, когда слушал оперу "Лоэнгрин". Именно тогда, по его собственным воспоминаниям, перед глазами стали сами всплывать различные образы, линии и пятна. После этого Кандинский ставит себе целью написать собственную оперу на холсте, используя цвет и формы.

Габриэль Мюнтер, Портрет Василия Кандинского, 1906

Однако, в первую очередь, Василий Кандинский был юристом. И, отчасти, через свою первую профессию он пришел ко второй. В 1889 году, он был приглашен к участию в императорской экспедиции, цель которой было определить как крестьяне в разных уголках страны относятся к закону ( туманная цель). Будучи в Вологде, Кандинский зашел в крестьянскую избу, все стены которой покрывали росписи. Это впечатление было настолько сильным, что в тот момент он решил всецело отдаться своему хобби и стать художником.

Но было и еще одно событие, подтолкнувшее Кандинского к окончательному разрыву с юриспруденцией - выставка импрессионистов 1896 года, проходившая в Москве, где он увидел картину Моне "Стог сена".

Клод Моне, Стог сена, 1891 ( Я, честно говоря, не знаю, какую именно из серии картин Моне Стога сена видел Кандинский - пусть будет эта, для общего понимания)

По воспоминаниям художника, картина была настолько расплывчата, близка к беспредметной ( особенно в сравнении с процветавшей тогда реалистической живописью), что без таблички с названием, трудно было догадаться, что там изображено. Именно этим она и поразила Кандинского. Уже через несколько месяцев он, покинув Россию, поступил на курсы живописи в Мюнхене, а спустя несколько лет стал одним из наиболее значимых художников - авангардистов. У Кандинского была очень развита чуйка, если так можно выразиться, на цвет. Дело оставалось за техникой рисунка.

Манера письма Кандинского на пути от предмета к абстракции в разные периоды приближалась к разным школам: импрессионизму, экспрессионизму и фовизму.

Очень интересны его опыты с росписью на стекле. Эта техника позволяет художнику увидеть обратную сторону рисунка, соприкосновение краски с поверхностью.

Василий Кандинский, Маленькие радости (картина на стекле), 1910

Однако, он не забыл свою идею об опере на холсте. И это подверждается сокращением количества реалистичных черт от полотна к полотну. Ведь для того, чтобы действительно почувствовать картину, как считал художник, необходимо максимально дистанцироваться от внешнего, не ища совпадений, сосредотачиваясь лишь на собственных ощущениях. В серии "Импровизации", Кандинский последовательно разрабатывает эту идею.

Кандинский, Импровизация 3, 1909

Кандинский, Импровизация 4 ,1909

Кандинский, Импровизация 7, 1910

Музыка была для Кандинского путеводной нитью в его поисках. Посетив концерт Арнольда Шенберга, художник, буквально за пару дней, создает произведение "Концерт".

Василий Кандинский, Импрессия III, 1911

Здесь даже вполне угадываются рояль и зрители) Но это, если знать историю ( или второе название). Кроме вдохновения, музыка подарила Кандинскому знакомство с Шенбергом, переросшее в дружбу. Выяснилось, что идеи художника об искусстве, которое было бы подобно музыке по силе своего воздействия, очень близки и композитору. Между ними завязывается переписка, в ходе которой, они приходят к выводу: путь к синтезу неизбежно лежит через преодоление любой узнаваемости, а инструментами должны служить цвет и абстрактные формы.

Василий Кандинский, Картина с кругом, 1911

Конечно, основной упор Кандинский делал на цвет. Он считал это основным инструментом воздействия на душу человека. Именно поэтому в названии группы, которую создает Кандинский, присутствует цвет.

Франц Марк, Синяя лошадь I, 1911

"Синий всадник" был основан художником в 1911 году как своеобразный ответ мюнхенским коллегам, усомнившимся в разумности творческих устремлений Кандинского к абстракции. В группу также входили Робер Делоне, Арнольд Шенберг и немецкие художники Август Маке (1887-1914), Франц Марк (1880-1916), а также русские - Алексей Явленский (1864-1941), Марианна Верёвкина (1860-1938). И Габриэль Мюнтер (1877-1968) талантливейшая художница, жена Кандинского

Габриэль Мюнтер, Кандинский и Эрма Босси за столом, 1912

Август Маке, Святой Георгий, 1912

Франц Марк, Стога в снегу, 1911

Алексей Явленский, Садовник, 1912

Марианна Верёвкина, Красный город, 1909

Синий - цвет духовности, а всадник символизирует смелого и отважного первопроходца. Этакий духовный воин. Возможно, таковыми себя отчасти считали сами участники, предлагая новые способы живописного выражения. Кроме того, Кандинский был символист. Он любил Блока, Белого, был знаком с работами Ницше и Шопенгауэра. Кандинский видел искусство как путь к божественному, а не просто декорацию. Его работы это не изыскания ученого в области цвета и формы. Это скорее духовный поиск связи цвета и музыки, музыки и души, цвета и эмоции, души и космоса. Он очень часто упоминает Елену Блаватскую и ее теософские концепции. Кстати, теософия была очень популярна среди художников разных стран. Примерно, в одно время с Кандинским, к полной абстракции приходит голландец Пит Мондриан, в чьих работах, ни много ни мало, а попытка изобразить устройство Вселенной. Ну, об этом немного позже.

Пит Мондриан, 1914

Переосмысление идей Вагнера и выражение их особенно ярко происходит в седьмой композиции 1913 года. Кстати, благодаря предусмотрительности Габриэль Мюнтер, которая запечатлела процесс работы на фотопленку, есть свидетельства рождения первой абстрактной картины Кандинского. Роды, надо сказать, были стремительными - один из шедевров живописи 20 века был создан за считанные дни.

Василий Кандинский, Композиция VII, 1913

Это полотно не нуждается в расшифровке. Упорное желание увидеть что-то знакомое не увенчается успехом и не даст почувствовать картину. Важно просто рассматривать линии, пятна, зиг-заги. У них есть определенный ритм, настроение. В какой-то момент, цвет и правда начинает звучать, будь-то режущий слух скрип или приятная мелодия. В чем-то это, наверное, и есть тот эффект, которого ждал Кандинский.

Еще один участник "Синего всадника",швейцарец по происхождению - Пауль Клее (1879-1940) - очень долго искал свой стиль. Изначально, он пробовал себя в разных манерах, больше всего склоняясь к графике: рисункам и гравюре.

Пауль Клее, В коробке, 1908

Но, то ли причиной стало участие в группе "Синий всадник", то ли его путешествие в Северную Африку, однако, уже с 1914 года, Клее распробовал цвет.

Пауль Клее, Вид на Хаммамет, 1914

Все-таки тяга к графике заметна в работах художника. Он соединяет разные направления: здесь и кубизм с его изрезанными плоскостями, и сочетания, характерные для орфизма, и насыщенная палитра Кандинского. Но Клее любил линию больше, чем пятно. "Ни дня без линии!" - его девиз.